都说今天是个媒体图像时代，有一定的道理。照相术、印刷术、各种媒
体空前普及，传统意义上的绘画受到强烈冲击，虽然国内架上油画仍占主流，还有全国美展的模式，但潜在的危机感还是存在的。现在每做一件事都要弄清它的价值所在，才能明确坚定自己的理由，中国美院油画系举办这样的展览和研讨是有重要意义的。根据研讨的议题，我从以下几方面来谈谈自己的理解:
一、手绘是灵性的直接流露
利用媒体和图像也能表达思想,但它是通过运用机械的途径来传达的，而
手绘则是通过人的观看、心理感受和大脑整理，再用手表达出来的。手绘的线条和笔触可以根据画者的需要，轻重快慢、随心错落，笔笔生发的任意变化，充满了自由的灵性。同时伴随着各种分析判断以及喜悦和沮丧等等复杂的心理活动，所以手绘的整个过程都是充满感悟的，它是一个活的方式。手是心灵的延伸，工具又被看作手的延伸，画者要做到心手相应，我认为“手感”是极为重要的，手感不是简单的技术问题，找到了手感就意味着与心灵的电源接通了，所以说手绘是灵性的直接流露。
二、它是生命痕迹的积淀
我曾经站在一幅古人的草书作品面前，想象数百年前，他就站在这张白
纸前那种激情挥运的状态。我们在经典的油画原作面前，不只是看到精彩的效果，同时还能感受到一种生命气息的笼罩。
中国人把绘画的笔触，书法的墨线称为“心迹”，就是心灵留下的痕迹。生命是一个过程，手绘的可贵在于它把生命的过程留下来了，是生命痕迹的积淀。即使是画中的涂改，也是包含了思考的轨迹。举个例子，如果在一块画布上反复涂抹颜色达到的厚度，跟一次做成的厚底子罩一遍颜色的感觉是不一样的，我感觉前者更有份量，因为每一次涂抹都积淀了无数的生命信息，包括了思考和情感因素，和制作是不一样的。
三、偶然性与不可重复性
机器的特点是可以复制，方便快捷，利于传播，很符合当今快餐文化的特点，不过由于批量快捷的复制，也导致获取的廉价性。
手绘时产生大量的偶然性因素，所以具有不可重复的特点。我认为人有生命，画也是有生命的，所以应该给它足够的空间和自由去生长。有些效果并不是事先设定好的，而是随机生长起来的。绘画不只是一个完成的过程，还是一个不断悟识的过程，有偶然就会有对与错，也才会有机端，如此才能有生发的可能。手绘就是将大量偶然的东西固定下来，将过程变成结果，使偶然成为必然。
由于大量偶然性的存在，使手绘的作品难以重复。即使是画家自己的作品，也不可重复。据说王羲之酒醒以后又写了两篇《兰亭序》，都没有第一篇好，因为那种氛围和感觉没有了。当时趁兴而作，写错了涂去再写，一片天机自然，难以复得，就是所谓“神品”。易经里说“阴阳不测谓之神”，“神”是不可量化的，不能用比例长短份量多少来测度，“神品”是在特定时间诸多因素碰撞在一起产生的一种混合变化，所以“神品”是可遇不可求的。面对同一个题材，画家每一次都在表达自己的感受，就不可能复制，德加反复画了舞女的同一个动态，因为每一次都有新的尝试，所以不会重复。如果没有新的感受，很难超越原来的作品，我看很多有名的画家复制以前的作品都不如原来的好，不是他们的技术不行，是感觉变了。
四、手绘是一个丰富的体验过程
图像意义是从结果开始的，注重表达观念，不注重过程的体验。手绘的意义贯穿于过程始终，不只是为了完成，而且要画得有意思，贝尔称作“有意味的形式”。
手绘很大的乐趣是在享受过程之中，在教学中我发现，凡是学生作业中画得好的地方，都是在很顺手很愉悦的状态下出现的，所以有好的过程就有好的结果。
体验就是在亲身尝试的过程中来认识和感知事物，实际就是一种玩味，
好比品茶，重在一个“品”字，不是为了解渴喝水。安格尔在看一个工人刷油漆，看了很久，赞叹道“刷得真匀！” 传统油画中笔触的衔接，就像在抚摸画面，安格尔体验到了那种用笔抚摸的感觉。另一个例子:一位搞现代艺术画家，他的作品是用毛笔一根一根的画很长的线，形成密集的格子，这是很枯燥的，做这件事的意义就在于体验。如果为了完成样式，就没必要那样做，完全可以用尺子，采取印刷的方式，甚至可以请人来画。现在有些人直接用电脑喷绘，再刷点油画颜色，作品究竟有多少含金量，值得怀疑，不如用照片来得直接。
五、在中西背景下看手绘
在今天大的文化背景下来看，手工绘画与其它艺术样式是一种什么关系
呢？我认为是一种平行的关系，一切艺术样式都是手段，艺术家是创作的主体，一切在他面前平行展开，完全根据个人的需要进行自由地选择。
为什么在当代艺术中手工绘画呈现衰微趋势？描绘的魅力被逐渐淡化？我认为一是因为当代艺术的价值取向重在观念，信息的意义超过了审美的意义，图像意义取代了描绘的意义，可以画也可以不画，即使画也不需要丰富性。还有一个原因，是西方所谓“原创”的理念所导致的，这种原创不是指一般意义上的创新，而是指绝对的创造，一种概念性的创造，是一种不断颠覆的艺术现象，凡是已有的东西再做就没有意义了，必须要创造一种全新的概念，如果从这个要求来看，绘画几乎已经达到了零点，很难有新的创造了，导致人们要不断寻找新的途径和新的样式，艺术的外延在不断地拓展，标准变得很含糊混乱，蒙事的东西也很多，最终艺术不过是命名而已，很多东西你说它是艺术它就是了。如果一种事物无限度的发展的话，必然会导致自身的消解和异化，艺术也是如此。
我们再看中国的艺术传统，它是不主张绝对创造的，最提倡创新的石涛，认为“笔墨当随时代”，“古之须眉，不能生在我之面目”，其实他的画也没有脱离传统框架，因为他的“一画”之根还是源于“太朴”（混沌的宇宙自然观）。近现代的黄宾虹、齐白石、李可染都是在整体接受传统的基础上加入一些自己的东西。如果用西方的观点来看，他们都不是“原创”的画家，因为在他们那里中国画的基本理念没有改变，材料也没有改变，这是两种完全不一样的价值观和艺术观。中国人认为艺术最高的境界就是吻合于“道”，一切效法自然，艺术家在实践中不断地领悟这个境界，达到人与自然的合一，可见东方的艺术传统更注重内在的提升和参悟，虽有不同程度的创新，但并不重视原创，所以中国的艺术一边在不断的发展，一边又不断地向最高的自然法则回归，形成循环往复，生生不息的现象。
由于哲学上强调复归于自然，所以中国的艺术也崇尚博大、简约、单纯、朴素的品格，这次展览的题目“怀素抱朴”就有这个意思，回到原点，回到本体。有位画家和我聊天，他说只有手绘的东西才能指向“道”，我觉得很有道理，因为这是最直接、最“朴素”的方式。
有学生从国外回来对同学说“你们还在这样搞，人家都不画画了”，这是以西方的标准来看的。世界之大，并不是只有一条路可走，中国这个“道”字，除了哲学含意之外，还有“道路”的意思，古人寻找所谓“中道”就是找到一个合理的方式，今天中国的经济发展也没有完全走西方的道路，艺术也应该一样。我们可以吸收西方艺术中优秀的因素，重新梳理我们的传统精神，融汇综合也是一种创造。前两天在南京参加一个“文脉精神，中国版本”展览，可见大家有一种共识，都在探索，希望走出一条自己的路来。