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　　吴大羽的纸上作品多无标题也无年代，这些近乎半抽象与抽象的“无题”作品，其取材的灵感看得出源自他日常生活周遭的人事物景等浮光掠影，这些表现了花、鸟、人、物、窗、景……欲辨已忘形，或隐或现，形象均在音乐的节律中，如他所称的“飞光嚼采韵”，虽然有人称之所为“法无法，乃为至法”的境界，我们仍然可以从他的生活题材与光色运用的绘画语言中，检视他所曾受到印象派精神的影响，或还原出他所曾崇尚过的立体派与野兽派绘画元素。

　　画面中的人物形体厚重、结实，看似是质朴的中原乡土女性，却被赋予了如同早期文艺复兴壁画般的雕塑感与纪念碑式的庄严。

　　画面在一片近乎大面积留白的、朦胧灰白调子中展开。画面右上方绘制了一个虚化、柔和的婴儿头像，整幅画延续了他一贯“似是而非”的笔触，冷灰、淡粉与褐色的微妙过渡，让画面充满了一种轻盈却带有消逝感的呼吸感。

　　这是艺术家幻象中的奇异之地，树根缠绕、土壤丰沃、水汽充沛，仿佛一个安逸且安全的避难所，可供心灵彻底休息。在这一空间中，解剖的人体被剥离了人的社会身份和文化标签，只留存动物的本质，而身体的支离破碎与四处游荡又时刻暗示着生命脆弱和历史动荡。

　　赵赵《天空》摒弃了传统天空的静态写实，通过大面积富有速度感的群青与普鲁士蓝笔触，将天空转化为一个充满流动性、爆发力与翻滚能量的抽象精神场域。

　　欧阳春非常具有力量感与自传色彩的标志性作品，画面描绘了象征艺术家过往或心血的“画作”正在熊熊烈火中燃烧，同时伴随着倾泻而下的黑色雨水（或浓烟）。“焚画”这一极具仪式感的动态，展现了艺术家对艺术创作、自我否定与精神涅槃的激烈反思。

　　张英楠的用色非常沉稳、不张扬，偏爱使用幽深的蓝色、沉静的绿色以及带有舞台剧般戏剧效果的局部亮色。他的笔触细腻精致，将复杂的、汹涌的情感刻意隐藏在平淡、冷峻的画面叙述之下，给观众留出巨大的留白和想象空间。

　　这件是张晖90年代的记忆，画面描绘了一条向远方延伸的宽阔马路，密密麻麻、骑着自行车在夕阳黄昏或微明晨光中前行的人群。马路两旁整齐排列着已经落叶、枝干遒劲的冬日树木，天空中大群黑色的鸟掠过，平添了几分寂寥、宏大又略显冷峻的氛围。

　　杨伯都的作品是对光线、空间和极简几何的沉思，也是她留美生活的一种提炼。这幅单色作品以窗户为媒介，通过极简的几何构图捕获光线的流转。强烈、定向的光线在褶皱的窗帘和玻璃上投射出锐利而富有节奏的阴影，将光线本身变成了一种可感的实体。

　　云永业习惯将小巧的画面镶嵌在带有繁复花纹的金色古董框内，使艺术品本身呈现出一种如同远古圣物或老时代珍玩般的物质质感。丘比特的“翻车”姿态、被射中的果实，将原本严肃、浪漫的宏大叙事转化为一种充满黑色幽默、戏谑且带有晦暗情欲意味的超现实奇景。

　　烟囱的创作习惯以自身和朋友的真实生活为蓝本。画面记录了一个极为普通、充满烟火气的都市日常瞬间:在优衣库里，背对观众、穿着标志性短裤的艺术家，正与一位收银台前穿着优衣库工作服的店员进行结账或交流。

　　这件作品延续了七户优标志性的古典写实与超现实主义融合风格。身着复古海军蓝连衣裙、红皮鞋的小女孩置身于一个刻意被推远、带有强烈透视错觉的舞台式方盒空间中，营造出一种戏剧性的、被窥视的孤独感。