国丰国际拍卖有限公司艺术品征集处总征集处
Lot224
张恩利（b.1965）
二个很轻的球
2012年
布面 油画
180×260 cm
RMB: 1,500,000-2,000,000
与艺术生涯早期作品的厚重、浓烈相比，张恩利在静物创作中变得更加举重若轻:颜色越来越干净，内容越来越轻。他希望画面不再那么高深、理论，而是“更加直观、感性”。创作于2012年的《二个很轻的球》是此一阶段张恩利艺术理念的典型代表。画面简单地由三个元素构成:彩色的条状地板，两个圆球和光照留下的影子。而更进一步，与其说构成画面的是物体本身，不如说是夺人眼目的三种线条:由稀薄、透明的“湿笔”形成的直线，坚实“干笔”塑造的不规则曲线和圆，以及介于两者之间的淡灰阴影。每种线条呈现不同的情绪，不同的个性，尤其是圆形，为画面注入瞩目的动感。张恩利说:“我一直对这个圆形物体特别感兴趣。我觉得圆形的物体有一种力量和一种非常淳朴的东西。它有一种传统，有一种厚重，有一种朴实，不是那么概念不流畅，所有这些美学上的东西都在这个球里。”
Lot232
王兴伟 （b.1969）
无题（浇花）
2013年
布面 油画
240×200 cm
RMB: 8,000,000-10,000,000
发表
《王兴伟》，尤伦斯当代艺术中心，世界图书出版公司，北京，2013年，封面图
展出
“王兴伟”，2013年5月19日至8月18日，尤伦斯当代艺术中心，北京
在王兴伟迄今三十多年的创作历程中，样式和语法的变化令人目不暇接。他的绘画风格有时令人想起类似马丁·基彭 贝尔格“坏画”、有时超现实，有时又庸俗非常，他游走于不同的绘画标签间，把艺术史、历史、社会和日常生活穿插拼合，又将幽默和绘画语言的探讨贯穿其中。而在纷繁复杂的面貌中，王兴伟的创作其实始终有一条主线，即以所有可能的表现方式去阐释形与体。《无题（浇花）》鲜明地体现了王兴伟创作的3大特色:出其不意的幽默、造型的多元性以及题材的连续性，也正因此，这幅画才被选为了2013年UCCA举办的“王兴伟”大型回顾展的画册封面。
《无题（花盆）》中的人物、盆花和水壶有着饱满的体量感，它们都是王兴伟过往作品中反复出现的主题和原型，再通过机智而古怪的组合产生出新的情境。比如，女人的姿态和形象最早源自王兴伟2003年瓦楞板上的作品《女人体》，这是他当时模仿“行画”画风，针对绘画系统的一个玩笑；5年后，王兴伟重绘了这个形象，但将裸女的头部替换成了调色板和痰盂；而2009年的《无题（花盆）》中，女人的头部又变成了一盆花，旁边还增加了一把铁皮喷壶，在体量、质感、功能和画面构图上与女性人物相对应。最后加入的紫衣男人形象，则源于1996年的油画《可怜的老汉弥尔顿》，而他又可以追溯到1994的《幸福的家庭都是相似的》。形象的层层嵌套和反复出场，像是一个无止境的语言游戏，相邻的符号彼此激活，相互替换，最终形成“一架缝纫机和一把雨伞在手术台上邂逅”的震颤。王兴伟认为，“绘画最本质、 最核心的问题就是如何赋予造型的基础概念和逻辑”。他反复描绘一个形象，实际是在“榨取”这个造型最大的可能性。《无题（花盆）》的创作方式又是即兴的，让造型首先介入，再抓取可能出现的关系和趣味，本件王兴伟极为典型也最负盛名的作品于今秋首现拍场，不容错过。
Lot234
段建宇（b.1972）
姐姐系列No.2
2004年
布面 油画
181×217 cm
RMB: 1,500,000-2,000,000
发表
《段建宇:带着西瓜去旅行》，维他命艺术空间，广州，2006 年，图版
《目光所及—后金融危机时代的中国新绘画》，保利艺术博物馆，北京，2014年，第24页
展出
“带着西瓜去旅行—段建宇个展”，2006年5月14日至7月31日，维他命艺术空间，广州
“第十届中艺博国际画廊博览会”，2014年10月10日至13日，国家会议中心，北京
“目光所及—后金融危机时代的中国新绘画”，2014年11月6日至12日，保利艺术博物馆，北京
段建宇的《姐姐》系列创作始于2004年，是她表达叙事需求的重要载体。她将自己想讲的故事编织到“姐姐”这一形象之中，使其成为一个可以持续延展的绘画主题。每当有新的故事的灵感，她就通过“姐姐”这个角色来进行创作，赋予这一形象新的情节。在逐步建立起“姐姐”这一创作结构后，段建宇发现这个结构极具包容性，宛如一个宽广的框架，给予她在创作上的自由。她可以自由使用夸张、虚构、借喻和转喻等手法，充分实现了创作的自主性。
她的《姐姐系列 No.2》同时体现了她两个重要系列，“姐姐”系列及“艺术鸡”系列，也是艺术家早期重要个展“带着西瓜去旅行——段建宇个展”的参展作品之一。主题围绕三名以空姐装扮出现的虚构人物，和一群母鸡在一起。仿佛人与动物的奇异之旅，又将中国乡土形像用诙谐甚至荒诞的方式表现出来。段建宇对生活中琐碎的事物极感兴趣，例如西瓜、母鸡，这些元素在她眼中正是平凡生活的体现。看似随意勾勒的痕迹凌乱稚拙，营造出一种自然与可爱之意，反抗默认形态下的既定思维，呈现了一种反常理的表述，给观者提供一个新的入口，使其短暂地摆脱社会约束与时代态度，以全新的视角去看待和理解这个世界。
Lot233
秦琦（b.1975）
大象和小象
2014年
布面 油画
230×260 cm
RMB: 600,000-800,000
发表
《秦琦》，新星出版社，北京，2014年，第106页至第107页
展出
“秦琦个展”，2014年11月8日至12月30日，站台中国当代艺术机构，北京
2010年，秦琦将创作视角转向对于异域风情的关注。在这个阶段，他常以新疆、越南、藏区等异域题材为主，并通过亲身见闻、电影电视、绘画记忆等多种图像来源进行直觉化的关联与想象，以个人化的认知与理解进行自由的组合，将不同空间与时间之维的人、事物与场景相互交织于一体，形成带有异域性和景观性的个人创作。
创作于2014年的《大象与小象》即是这一阶段的开创性佳作，融入了画家对浪漫主义、立体主义、自然主义、高更等多种现代艺术的理解和解构。画面整体有着秦琦一贯的“热闹”，秦琦将脑海中各种关于“异域”的想象一股脑放在了画中。黄绿为主的画面中，黑、白、红等色块撞出强烈的动感，形式结构、体积明暗、色调笔触均可自成体系又可契合共处，画风上有一次性完成的老练，又趣味耐看。值得一提的是，秦琦在《大象与小象》上也实现了个人创作技法的“升级”。画面不仅融汇了塞尚、高更、卢梭等现代艺术大师的色彩和构图亮点，并将每个物象都塑造得饱满、充实。我们既能够被艺术家叙事的活力而打动，也能感受到艺术家作为一个研究者对动物、构成、题材之间，故事的视觉化讨论和推进的变化。
Lot241
马轲（b.1970）
山河
2013年至2014年
布面 油画
180×290 cm
RMB: 800,000-1,200,000
发表
《马轲》，DISTANZ，柏林，2022年，第66页至第67页
《窟窿—马轲的绘画》，上海人民美术出版社，上海，2023年，第152页至第153页
展出
“介入与再造—当代绘画的图像方式”，2020年8月28日至9月12日，广东美术馆，广州
“和动力—首届济南国际双年展”，2020年12月13日至2021年3月12日，山东美术馆，济南
“马轲个展—前奏与沉思”，2024年6月22日至9月8日，西海美术馆，青岛
马轲的哲思涌动于笔下的风景创作，在山水间投射历史的情感，并借助这一题材，完成一种奇异的杂糅:浪漫主义的色彩，英雄主义的叙事，个人心灵世界的诗化表达。风景也成为画家自我寓意的化身，人类心境的外化与具象化。而折叠的“透视”，成为触发这些意象最核心的元素，山水、屏障、高耸的松树，立碑式的人物，组成了一个个交叠的时空。
《山河》创作于马轲奠定当代绘画领域一席之地的重要时期，也是他艺术的成熟时期。此时中国的消费主义和全球化的崛起带来了巨大的社会变迁，马轲在这一背景下创作了强烈表现主义色彩的作品，捕捉时代的张力和情绪。画面中的人凝望夕阳西下，好似踌躇满志，远处的树木倔强的姿态也照见了人物的状态。马轲制造了一个介于聚焦与散点透视之间的特殊场域，探索着绘画本身的创造力与能量。横向的三段式构图，有倪瓒“一河两岸”式的空灵、舒朗，而纵向人物的姿态和俯视角，又致敬了弗里德里希《云端的旅行者》的浪漫气魄，最大程度地渲染了画面的张力，留下了开放给观众品味和想象的余韵，令人难忘。
Lot239
仇晓飞（b.1977）
国营物
2010年
布面 油画
300×380.5 cm
RMB:4,500,000-6,500,000
发表
《仇晓飞》，博而励画廊，北京，2010年，第43页至第44页
展出
“登楼已去梯:仇晓飞个展”，2010年9月4日至10月10日，博而励画廊，北京
“自旋—新世纪的十年”，2012年9月1日至28日，今日美术馆，北京
“绝对收藏指南”，2015年6月8日至8月8日，四方当代美术馆，南京
仇晓飞的画是对个人记忆与国家历史的表现，围绕记忆展开，记录了他童年时从哈尔滨回到北京的生活。从工业城市到繁华都市的突然转变对他产生了深远的影响。他用隐含的语言触及心理和潜意识，营造出一种忧伤的氛围，渲染时间的流逝。通过这种自传式的艺术形式，反映了经历动荡时代和环境变迁的人们的集体意识。
巨幅油画创作《国营物》的场景来自艺术家幼年时的一张照片，它对现代中国家庭的生活场景进行了纪念碑式的表达。画面几乎所有的元素都还原了黑白照片原本的样子，并且用厚重的颜料制造突出的肌理，给人时间与记忆的沉重感，似乎是艺术家幼年国营饭店的陈设。只有中间的圆锥体是色彩明快的，好像心灵的结晶，具有超现实的意味。也是从2010年开始，各种几何体成为了他绘画中反复出现的意象。几何体也是一种秩序、规则与模式的象征物，也是仇晓飞所试图反抗的，但又矛盾地成为了一种慰藉的来源，甚至是一种引诱和试探。完成于2010年的《国营物》是仇晓飞用绘画对文字中的感受、知觉和社会印象进行了视觉转译阶段的标志性创作，也是象征了仇晓飞创作更进一步，破茧而出的重要画作，也是艺术家现实主义形式及表现主义的风格相互融合的典型作品。
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Lot237
欧阳春（b.1974）
国王山之一(三联作）
2006年
布面 油画
190×130 cm×3
RMB: 4,800,000-6,800,000
发表
《王:欧阳春》，Fluid Editions&Timezone 8，香港，2010年，第66页至第67页
展出
“王”，2010年10月2日至2011年1月9日，柏林收藏家美术馆，柏林，德国
“王”，2011年3月2日至6月11日，奥地利国家美术馆，维也纳，奥地利
2006年后的近十年间，欧阳春迈入其艺术创作的全盛时期，“王”系列的欧洲巡展是艺术家创作生涯的高光时刻，这一系列的作品曾经在德国柏林收藏家美术馆、奥地利国家美术馆中展览，当时与克里姆特的金色作品在同一美术馆展出，呈现的精彩绝伦，更成为日后其在艺术市场中最炙手可热也最具竞争力的系列创作，欧阳春拍卖纪录的前十中，有五件属于这一系列，《国王山之一》就出自此巡展。
此次上拍的《国王山之一》首登拍场，是“王”系列的初始作品，也是这个系列中尺幅最大的作品之一，三联组成，气势恢宏。通过精致与野蛮的刻画，在巨幅体量中为永恒之物赋予当下意义，也同时以不朽的金色里描绘人文体验中最夸张跌宕的转折。艺术家曾言:“王是一个无限大和无限小的概念。王可以代表一个有权力的国王或一只蚂蚁”。笔触质感自由洒脱，形象及图式则诡谲奇幻，杂糅有明确的中式符号，于荒诞与象征中戏谑阐明哲思，整个“王”系列描述了国王一生中的不同片段，其中包括国王取得的胜利和遭受的失败，经历的爱情和死亡。映射着的是其生活从光辉到黑暗的经历与境遇，更暗指了人类的权力和贪婪，以及辉煌之后的孤独和空虚。画面图像充满奇幻与神秘，欧阳春擅长的色彩厚涂方式更加剧了戏剧性的冲击，背景布陈丰富的底画元素，处理如里希特般刮擦且多层次，从而在颜色与光影之外，塑造出时空、历史的更迭与厚重。
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Lot214
闫冰（b.1980）
分土豆No.3
2013年
布面 油画
80×220 cm
RMB: 800,000-1,000,000
展出
“长物志NO.5—闫冰个展”，2013年9月14日至10月13日，蜂巢当代艺术中心，北京
多年来闫冰总持续不断地如肖像般描绘农作物，土豆、苹果、蘑菇……艺术家将它们放大到撑满整个画面，将自己的情绪完全交给了这些自然载体。成年后闫冰不断回忆着自己在甘肃乡下的生活，内心的情绪聚到一定程度的时候，需要一个实体来承载。于是，他习惯性的将自己抽象的感受，在熟悉的自然物里去寻找对应，《土豆》系列随之诞生。“土豆”作为一个实体承载了他太多的记忆，他说土豆的颜色与他曾经生活和劳作过的大地是一样的，它仅次于主食，可以果腹，同时，它又是朴素、低调的。
《分土豆No.3》是闫冰“分土豆”系列中尺幅较大的一件，这个系列将土豆的主题向下挖掘，赋予了更具体和深层的意义。闫冰曾经描绘过“分土豆”的情形:一个大土豆上面有很多小坑，这些小坑都是芽点。从每个芽点切下一个方块，一个土豆可以切出七八块，每一块都可以作为种子，种植时，要把土壤打得细一些。刚冒芽时，芽非常脆弱，如果被土块压着，就需要付出更大力气才能把土块顶开，而且芽点要朝上。如果不小心把种子放得太深，它会更加努力才能长出来，有些甚至会在里面坏掉，这和人类的童年很相似。
Lot242
韦嘉（b.1975）
刺菁 II
2008年
布面 丙烯
250×200 cm
RMB: 1,500,000-2,000,000
发表
《照亮银色无垠 韦嘉新作》，谷公馆当代艺术有限公司，台北，2008年，第80页至第82页
《韦嘉2004-2008》，星空间，北京，2008年，第08＋2页
《自旋—新世纪的十年》，中国今日美术馆出版社有限公司，香港，2012年，第124页至第125页
展出
“照亮夜色无垠”，2008年6月14日至8月3日，谷公馆，台北
“韦嘉2004-2008”，2008年10月15日至11月15日，星空间，北京
“自旋—新世纪的十年”，2012年9月1日至28日，今日美术馆，北京
2008年对韦嘉而言是重要的转折阶段，他越来越感受到“绘画性”的感召，开始了一场打破“完美”的自我变革。他用流动的颜料和粗犷的笔触，突破了原有的，带着版画趣味的整齐感，让作品中的黑暗、混沌、沉重和难以捉摸的表达变得直接和强烈。
《刺菁 II》正是这一转变时期极为成熟的代表作，参加了多个艺术家早期的重要展览，非常难得。画中的主角来源于古罗马一位殉道者圣巴斯弟盎。据说他在罗马皇帝戴克里先迫害基督徒期间被杀。在艺术和文学作品中，他常被描绘成双臂被捆绑在树桩，被乱箭所射。彷佛为了他所相信的，痛并快乐着。这位殉道者在韦嘉的作品中也隐含了青春的无畏与热情。从中既能看到韦嘉早期作品中具象的男孩形象，也能感觉到他迄今坚持的，向抽象的探索；既有青春残酷的敏感，又有向虚空感进发的冲动。画中流露着艺术家一直以来表现的不安和荒凉，但他内心里试图展现的，更多是挥之不去的某种不舍。“这种不舍可能是关于青春的，也包括人的存在，它的情感，它的历史。”
Lot243
韦嘉（b.1975）
拳来到
2005年
布面 丙烯
250×200 cm
RMB: 1,200,000-1,800,000
发表
《野蛮春天:韦嘉1999-2006》，星空间，北京，2006年，第20页至第21页
《韦嘉2004-2008》，星空间，北京，2008年，第05＋5页
《中国当代艺术三十年历程1979-2009》，文化艺术出版社，北京，2010年，第540页
2005年的作品《拳来到》是韦嘉早期典型的绘画风格，像极了石版画的结构与表现张力，然而画面是石版画的好几十倍大。250x200cm的尺寸立即呈现出石版画诸多独特的语言:包括视觉张力放大缩小的对比，平面中带有几何的立体结构，光影的明亮处与暗处的对比，都为情节的铺陈与渲染带来层层的高潮 ——虽然在同一张画布上。彷彿电影情节，也许是警匪片，在紧凑的步调，平凡的夜里，忽然出现想象不到又合情里的剧情。在笼罩铁丝网与玻璃的高墙内，照射灯下，上演着纠缠与征服的一幕。而故事未完，胜负未定，彷彿从天而降下的每个人，都在各自动作状态决不重复相同的铺陈中，有着艺术家最理性缜密的组织规划。如此现世缩影的画作在韦嘉至今20年创作生涯中，实属少见，这是一个大场景，而且是个远景，立体化的描述整个故事场面，每个砖头都像石版那样深浅不一地进行表现。在《拳来到》中，用一种隐秘窥视的角度展示出血脉喷张的社会事件，以及独属于年轻人的蠢动与不安。少年生命固然能够挥霍，但在这种比英雄、比义气来论断一个人生命价值的空间中，青春彻底沦为一种野蛮的工具，也令人感受到它的脆弱。